美術學系

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國立臺灣師範大學美術系-大素描教室

一、沿革與概況

本系創立於1947年(民國36年）8月，初為四年制圖畫勞作專修科；1949年(民國38年）更改系名為藝術系；1967年(民國56年）更名為美術系。1974年(民國63年）實施三、四年級分為國畫組、西畫組兩組，進行專業教學。1975年(民國64年）實施三、四年級分為國畫組、西畫組、設計組三組，進行專業教學。2005年(民國94年）實施國畫組、西畫組、設計組三組，分組招生與專業教學，自2009年(民國98年）起設計組將逐年移轉獨立為視覺設計學系。

碩士班成立於1981年(民國70年），初設有美術教育與美術行政組、中國美術史組、西洋美術史組、國畫組、西畫組、藝術指導組，分六組招生與專業教學；2007年(民國96年）起中國美術史組、西洋美術史組自本系移轉獨立為藝術史研究所；2011年(民國一百年)起，調整為國畫組、西畫組、藝術指導組、美術教育與美術行政組、美術理論組，共五組招生與專業教學；2012年(民國101年)起，因本校設計研究所及視覺設計係整併後，調整為國畫組、西畫組、美術教育與美術行政組、美術理論組，共四組招生與專業教學。

博士班成立於2000年(民國89年），初設有西洋美術史組、中國美術史組、美術教育組、美術行政與管理組、創作理論組（水墨畫、繪畫、藝術指導、藝術評論），分五大組招生與八小組專業教學。2011年(民國100年)起，調整為創作理論組(水墨、西畫、藝術指導)、美術教育組、美術行政組與管理組、美術理論組(西洋美術史、東方美術史、藝術批評)，共四組招生與專業教學。2012年(民國101年)起，再次調整美術創作理論組中的藝術指導組為新媒體藝術組。

週末在職進修碩士專班成立於2000年(民國89年），現設有美術教學班、藝術行政班、美術創作班（水墨畫組、繪畫組)，分班與分組招生教學。
program

系創立迄今，已歷六十四年載，為臺灣歷史最悠久之高等美術學府。六十多年來畢業生遍及海內外，尤其國內之中等學校、大學、美術館、博物館、文化中心、美術機構等單位擔任館長、主管、系所主任、院長、董事長等重要職務，以及美術史學者、美術評論家、專業藝術家等，表現傑出。全國近三十所大學美術相關科系和研究所之大半師資皆畢業於本系所。公費時代，師大美術系每年畢業生均分發至全國各地中學，從事美術教學，因此，城鄉皆可見其畢業生。部分畢業生於服務期滿後，轉向學術研究或創作研究，隨後轉任職其他文化機構者眾多，發展途徑多元。隨著1994年(民國83年）起逐年減除公費名額之後，國立臺灣師範大學逐漸轉型成為綜合大學，師大美術系除了原先的師資培育之外，更是全力發展學術研究、加強創作與文化建設專才之培育。

師大美術系館為一獨立之六層大樓，位於和平東路與師大路交叉處，位處臺北市區之精華地段，交通便捷，為師大校園顯著之地標。系館包括有國畫、西畫、設計、理論、版畫、攝影、電腦、陶藝、雕塑、複合媒材等專業教室以及教授研究室，還有經常舉辦國內外名家展覽之師大德群畫廊以及擁有豐富藏書之系圖書館。兼具悠久歷史、完善教學設備以及傑出師資的環境下，師大美術系將永續發展。
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    鹽鄉風情-鹽分地帶繪畫創作研究
    (2012) 吳景源
    若說藝術是「名詞」，那麼繪畫就是「動詞」，而意境則屬「形容詞」；藝術繪畫是彰顯自我的情感，將主觀的感覺和外在客觀情境，用創作方式表現出來，以筆繪情、用畫表意。 因此，筆者將以繪畫創作為主體，藉由客觀的寫景與心靈的意境相交融，試著探尋藝術理想的本質，使外在的「現象」符合「心靈」，作為藝術創作的起點，並落實在藝術作品的建構上。 在個人繪畫創作的歷程中，嘗試過不同的創作形式，其中油畫創作，一直是筆者心靈中深層的需求與熱愛。因此，本論文擬就「鹽分地帶繪畫創作研究」這一主題，以寫實繪畫創作方式為切入點，對「鹽分地帶」這塊土地的自然環境與人文特色，做多面向的探尋。進而以結合土地與人民對於生活中的感受，創作出繪畫與心靈間的交流。用真誠與純樸的寫實意境，傳達出人們對於日常生活的情感感受與精神內涵，以及領悟出生命的存在意義。 此次論文研究架構將分為五個章節解說。第一章：緒論，說明此主題的研究動機，研究目的，研究方法與範圍。第二章：創作題旨研究，針對題旨的地理環境、人文精神、歷史文獻，作一整理分析。第三章：闡述創作理念與學理基礎，藉由土地與人民之間的聯繫，進一步探究大自然與人們現實界的現象，以及精神層面的意涵。表達對於大自然與人們，共生共存的情感理念。第四章：闡述個人創作風格、創作形式、表現技法、使用媒材及創作過程。第五章：創作作品解析，針對筆者的作品，作個別分析探討，延伸對主題的論述。第六章：結論，經由論文的撰寫及創作過程，再次整理自我的認知及方向，做為未來創作發展的省思。
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    光影寫實下的共生理想
    (2007) 洪兆宣
    論文摘要 近年風行「共生」、「樂活」的潮流，興起對團體、環境、生命皆須更為尊重體諒以達永續生存的運動，然人類與自然卻是以「偏害」的模式「共生」多年，造成許多不可逆的環境破壞。筆者生長於人口密度高的都會中，步調快、競爭大，感到大家已習慣合理化過度消耗、掠奪資源的事實，但可悲的是在擁有後，感覺滿足與幸福的人卻寥寥可數，亦如在科技發達後人類並沒有比較健康一樣。 筆者鑒於自然法規，認為「互利共生」才是物種共生理想的模式，於是在此次研究中，藉由城市角落植物圖像與人造無機物的併置，象徵被掠奪的自然資源及盲目生存的現代人類，以微觀描繪的手法紀錄在「偏害共生」關係下的不適，並以詩意寫實筆法紀錄光影交錯灑落的景緻來美化現實，表達物我「互利共生」的期盼。 本文共分述為六個章節，摘要如下： 第一章 緒論 筆者對世紀末「共生」觀念匱乏產生憂慮，以城市角落植物圖像為材，透過詩意的寫實風格，將其在人類掠奪其生存空間下掙扎求生的現實經由理想化反映在畫作之上，藉此引發觀者憐憫之意，且體會筆者「互利共生」的理想。並以光線、陰影、榮枯暗喻時間無形的存在，導出「一草一世界，一歲一枯榮」之自然定律所延伸的生命哲學。 此研究所描繪的內容有三，內容一是角落花葉生長的景緻，內容二是光線灑落枝葉所構成的疏影趣味，內容三是以象徵物隱喻現實生活中異質物件、生命、價值觀需共存的現實。 第二章 創作理念及理論基礎 為呈現物我「偏害」的關係以導出「共生」的理想，筆者依據布洛「心理的距離」推論，選擇令自身感動且一般觀賞者習於接觸的片段、角落、元素、思考、發想等，運用傳達理念最為清晰簡易的寫實形式描繪畫作。且為增加作品的敘事性，筆者以超現實手法，將幻想情境帶入寫實的空間，隱喻思考的脈絡。在技法上取法超現實主義的自動性技法，創作出符合後現代主義反現代精神的作品。此章除闡述布洛美學觀、超現實主義、抽象表現主義、後現代主義的背景與內容外，亦說明筆者於其取法之處。 第三章 創作元素與思想背景 此次研究中以當代現實生活物件、光影紀錄、角落花葉等為主要構成元素，並以古代文人借物喻義、造化心源的手法讓畫作不只具有裝飾美化的功能，更有「畫以載道」的期待，也讓作品與觀者的溝通共鳴更多元、深入，達到「筆墨當隨時代」的理想境界。 第四章 創作內容、形式、技法與媒材 此次研究主要是以具像寫實的形式，分為三個系列表達理念，第一個系列是以超現實主義手法並置有機與無機物的「絲帶系列」，第二個系列是取景較寫實，重點在描繪光影趣味的「藤蔓系列」，第三個系列則是部份使用自動性技法描繪的「光影系列」，此章除詳述三個系列的內容外，亦於創作技法與媒材上作了剖析與紀錄。 第五章 作品解說 分為「絲帶系列」、「藤蔓系列」、「光影系列」介紹作品之創作理念、色彩、構圖與使用技法。 第六章 結論 分享此次研究之收穫與心得，將來欲結合異質素材，更貼切全面的說明物我「共生」的理想，並對此次研究省思與檢討。 關鍵字 共生 心理的距離 寫實
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    臺灣社會圖像與人文心象
    (2007) 紀美華; Mei-Hua Chi
    本創作論文『臺灣社會圖像與人文心象』，為探討臺灣社會人民的生活現狀及思想現况，因社會現狀是具體可見的，故稱為『社會圖像』，在創作上採取具象表現技法；人民思想則較不具體，但需用感覺的，故稱為『人文心象』，在創作上採取象徵表現技法。 人類生活累積形成文化，文化經由語言或文字，一代代的繁衍下來，由於人類的遷移，不同種族間的不同文化相互衝擊、相互融合，產生新的文化。臺灣是南島文化的發源地，曾受荷蘭、明鄭、滿清、日本、國民黨政府的統治。文化上融合了明鄭、滿清文化，故臺灣文化雖源自漢文化，但歷經數百年不同種族的文化衝擊，已融合成臺灣特有的多元文化。 臺灣在資本主義政策下，環境遭受嚴重破壞，社會上階級對立，人民對未來缺乏信心。筆者以人道觀點來呈現臺灣的過去印記。用寫實技法描述現在，用樂觀態度以象徵技法呈現臺灣多元社會，這個社會是快樂温馨且充滿希望。 第一章：論述臺灣社會狀況形成的原因，與藝術工作者的社會責任。第二章：對社會的關懷以臺灣社會圖像與人文心象為主題的心路歷程。第三章：『臺灣社會圖像』系列與『人文心象』系列所採用的創作形式，創作技法與媒材介紹。第四章：作品創作的心路歷程，表現形式，及其主要內涵和創作理念。第五章：回顧三十餘年的創作心路歷程，確立以社會關懷為創作主題。同時以詼諧的態度，廣濶的胸襟，多元媒材和技法來呈現臺灣社會及對國家的關懷。
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    李梅樹素描作品之研究
    (2006) 余正志
    李梅樹素描作品之研究 余正志 臺灣師範大學進修部在職進修專班美術理論組 摘要 臺灣第一代西畫家們，多數是藉由到日本留學，吸收經由日本西畫家消化過的西方美術，再將那經過篩選的一部分西方美術帶回臺灣。該階段所帶進臺灣的西洋美術觀念，以泛印象派的寫實風格與外光派寫生技法為主，並且以素描作為創作前重要的基礎訓練，因此早期前輩畫家們，對於素描能力都十分重視，也都在素描方面下過很深的功夫練習，其中李梅樹正是一位典型的代表。 除了寫實的描寫訓練之外，在李梅樹學習畫藝略有所成之際，所開辦的臺展、府展等官辦美展活動，自始至終，每一回李梅樹均積極提出作品參展。返鄉後熱心參與地方事務，乃至承擔三峽祖師廟重建的主持工作，這些對李梅樹的素描，或者在題材方面，或者在媒材方面，都有重要的影響。 李梅樹所處之環境與時代，讓他同時身受中西繪畫傳統之影響，除了傳統的西畫素描之外，也作了數量可觀之水墨方式的素描，可見，素描與李梅樹的藝術創作，有密切的關係，因此，本論文針對李梅樹之藝術成就，尤其是素描的部份，加以比較分析，企圖深入了解其素描之風格、影響以及藝術價值。
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    忘却的記憶—劉柏辰繪畫創作研究
    (2018) 劉柏辰; Liu, Bo-Chen
    記憶，像是陳述著一段故事，有如時空片段的重建與再現，而不是對於某個事件精確紀錄的讀取過程，是一種獲廣泛共鳴的集體經驗，透過現實世界外在條件的感官刺激下，轉換為內在意識的過程，進而產生一種觸發記憶圖像的導引媒介，呈現一種將過往所發生的事件重新在限於現實，卻又以熟悉與陌生之間的片斷性記憶再度浮現。 此系列筆者選擇以多元形式繪畫手法，呈現記憶中真實的抽象殘片完成系列創作，透過攝影圖像的擷取並運用主觀情感中的記憶狀態重組結合，模擬記憶過程中的紀錄與想像中的主觀真實，然而實際的記憶狀態中也帶有一種無法預期的偶然相遇，隨著時間催化下逐漸的模糊、淡去，覆蓋了曾經的事實真相，在靜默無聲的過程中悄悄剝奪了曾經的存有。因此，希冀透過創作的方式去保存一段將消逝的種種「真實」，紀錄著一段屬於個人對於記憶的理解與想法。這段實踐不僅是梳理其個人創作脈絡與自身時代意義的釐清過程，同時也探究繪畫與影像之間的表達語彙中，如何找到屬於自己的觀看方法反應於創作。 創作表現的題材，以記憶中的真實形象過程作為發展開端，畫面的圖像構成也藉由老照片、虛擬影像元素與複合性材質等並至結合，並嘗試建構出多元形式的視覺呈現，紀錄一段暫存逝去的個人記憶。
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    形象與意境-論花鳥畫的困境與發展
    (2001) 胡以誠
    摘要 　　本文以探討「花鳥畫」此一獨特繪畫題材為出發，思考中國畫歷史中花鳥畫的價值與貢獻，檢討花鳥畫長期發展下來的困境及未來的發展，並以創作之實踐來作為立論之輔助，以期穩固個人在繪畫創作上的價值與信念。 　　第一章為緒論，說明研究動機與目地、研究範圍與方法及重要名詞解釋。 　　第二章為花鳥畫之獨立價值，以文獻作品來探討花鳥畫在歷史中的生成，如實用性的變化、依附性質與獨立構圖的過程。並整理其在繪畫中的特殊性及獨特之審美價值。 　　第三章則具體說明花鳥畫在歷史發展中所形成的困境，文中歸結兩點：一是象徵性的依賴，自原始圖騰之社會性象徵到晚期人格理想之象徵，逐漸對物象本身輕視、忽略；二是技法傳承之公式化，畫家在學習過程中喪失源於自然的豐富變化，而專事「粉本」，以至形成了僵化之表達方式。 　　第四章，探討「寫意」精神在中國畫中對形象之描繪所造成的影響；思考繪畫中的寫意與文人畫家所推崇之寫意有何關連，舉出蘇軾、徐熙兩位文人畫之精神領袖的藝術觀，從他們的文字與作品風格來切入，檢討寫意精神是否在文人畫家的信仰下無限擴張而造成繪畫價值的虧損。 　　第五章為花鳥畫的寫生與寫實，認為花鳥畫的發展仍應回歸形象描寫的嚴謹，除肯定唐宋之際在「寫生」觀念發展的高度成熟，並探討西畫觀念的吸收與採用過程中所應思考的地方，不致喪失中國畫的優越性與獨特性。 　　第六章則為個人創作理念與作品分析，自述個人在創作中的堅持與信念，以及選擇題材上的考量，和作品形成的歷程。 　　第七章為結論，條列本研究中所整理得到的觀念看法，提出個人未來之展望以及努力的目標。
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    現代繪畫發展中的寫實與復古現象
    陳俊勳
    論文摘要： 現代繪畫發展中的寫實與復古現象 二十世紀人類文明發展日新月異，科技的進步、政治社會制度的變革、人文思潮的衝擊，似乎將過去歷史所累積的能量完全釋放出來。在藝術的表現上更是百花齊放令人目不暇給，過去藝術史上沒有任何一個時代像二十世紀這樣同時出現眾多的風格流派，各種主義、宣言與運動互別苗頭。在快速變遷、追求功利的社會中，個人主義抬頭，有些藝術工作者在大眾傳播媒體的包裝下，以非藝術的行為一夕成名，經過重新「詮釋」，這種類型成為新的藝術，前衛藝術家更斷言宣判「繪畫已死」，藝術這個名詞至此變得曖昧不明，這個時代沒有比宣稱自己是一個藝術家更容易的事了。 面對這種奇異的現象，如何釐清自己的思緒，尋找可長可久的的藝術表現形式，一直是我努力追求的目標。檢視現代藝術發展的過程，發現新的潮流固然不斷湧現，而舊傳統卻也未被完全淹沒，在新舊交替融合中，古典風格仍具有新生命與時代性，在多元價值觀下，每個人都能擁有自我的品味與愛好，作為一個藝術創作者若缺乏自主性而隨波逐流，那就無法產生具有感情、富有生命力的作品。 身處二十世紀末，反省本世紀的藝術現象，認清自己的人格特質，欲尋找藝術之常道，對古典寫實風格在現代藝術中的定位深感興趣，因此選擇「現代繪畫發展中的寫實與復古現象」為研究方向，對其歷史背景、創作風格、技法及思想內涵加以探討，希望從當中對自己創作觀念、態度提供一個導向，形成個人的表現風格。 一、 研究內容與範圍 本研究主題「現代繪畫發展中的寫實與復古現象」，內容涵蓋四個部份： （一） 二十世紀初期－兩次世界大戰間的寫實與反現代現象，探討本世紀初世界藝壇的脈動與時代背景，對其前因後果，以國家地區加以分析。 （二） 二十世紀晚期－後現代思潮中的復古現象，對至今仍在持續發展中的後現代藝術復古風格，對其形成之因素，尤其針對藝術思想部份提出探討。 （三） 對後現代藝術之中的古典類型，以傳統的解釋及現在的發展予以定義，就畫家作品的表現題材和藝術風格詳細區分並論述。 （四） 個人創作部份－以筆者現階段創作理念的形成與思想背景為開端，就個人創作思想的實踐過程，加以闡述分析，最後並對未來藝術發展提出個人的觀察、省思與願景。 二、 研究方法 「現代繪畫發展中的寫實復古現象」這個主題從四個方向加以分析： （一） 藝術史－從歷史文化發展的軌跡中，就當時人、事、時、地、物之相互影響，了解藝術的演變過程，並對前因後果分析歸納，再予以綜合研究。 （二） 思想背景－就近代及當代哲學思潮來了解此一現象的本質及內涵意義，釐清整個時代現象背後的觀念及思想。 （三） 美學－從美學的形式分析中，探討藝術的風格，體認其美感價值。 （四） 圖像學—以潘諾夫斯基的「圖像學研究」為方法，從主題形象、內容象徵，到內在心靈綜合的直覺，探討作品的主題及意義。 二十世紀的古典寫實繪畫風格在各國零星發展，並未串聯成一有力的組織與運動，我們將它歸納起來，目的不在於將這些畫家歸類為某種畫派，而是就「古典風格在現代的創新」現象加以探討，透過客觀結構分析，希望在創作的主觀行為中給予自己一些力量，作為建立自我風格語彙的參考。