美術學系

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國立臺灣師範大學美術系-大素描教室

一、沿革與概況

本系創立於1947年(民國36年)8月,初為四年制圖畫勞作專修科;1949年(民國38年)更改系名為藝術系;1967年(民國56年)更名為美術系。1974年(民國63年)實施三、四年級分為國畫組、西畫組兩組,進行專業教學。1975年(民國64年)實施三、四年級分為國畫組、西畫組、設計組三組,進行專業教學。2005年(民國94年)實施國畫組、西畫組、設計組三組,分組招生與專業教學,自2009年(民國98年)起設計組將逐年移轉獨立為視覺設計學系。

碩士班成立於1981年(民國70年),初設有美術教育與美術行政組、中國美術史組、西洋美術史組、國畫組、西畫組、藝術指導組,分六組招生與專業教學;2007年(民國96年)起中國美術史組、西洋美術史組自本系移轉獨立為藝術史研究所;2011年(民國一百年)起,調整為國畫組、西畫組、藝術指導組、美術教育與美術行政組、美術理論組,共五組招生與專業教學;2012年(民國101年)起,因本校設計研究所及視覺設計係整併後,調整為國畫組、西畫組、美術教育與美術行政組、美術理論組,共四組招生與專業教學。

博士班成立於2000年(民國89年),初設有西洋美術史組、中國美術史組、美術教育組、美術行政與管理組、創作理論組(水墨畫、繪畫、藝術指導、藝術評論),分五大組招生與八小組專業教學。2011年(民國100年)起,調整為創作理論組(水墨、西畫、藝術指導)、美術教育組、美術行政組與管理組、美術理論組(西洋美術史、東方美術史、藝術批評),共四組招生與專業教學。2012年(民國101年)起,再次調整美術創作理論組中的藝術指導組為新媒體藝術組。

週末在職進修碩士專班成立於2000年(民國89年),現設有美術教學班、藝術行政班、美術創作班(水墨畫組、繪畫組),分班與分組招生教學。
program

系創立迄今,已歷六十四年載,為臺灣歷史最悠久之高等美術學府。六十多年來畢業生遍及海內外,尤其國內之中等學校、大學、美術館、博物館、文化中心、美術機構等單位擔任館長、主管、系所主任、院長、董事長等重要職務,以及美術史學者、美術評論家、專業藝術家等,表現傑出。全國近三十所大學美術相關科系和研究所之大半師資皆畢業於本系所。公費時代,師大美術系每年畢業生均分發至全國各地中學,從事美術教學,因此,城鄉皆可見其畢業生。部分畢業生於服務期滿後,轉向學術研究或創作研究,隨後轉任職其他文化機構者眾多,發展途徑多元。隨著1994年(民國83年)起逐年減除公費名額之後,國立臺灣師範大學逐漸轉型成為綜合大學,師大美術系除了原先的師資培育之外,更是全力發展學術研究、加強創作與文化建設專才之培育。

師大美術系館為一獨立之六層大樓,位於和平東路與師大路交叉處,位處臺北市區之精華地段,交通便捷,為師大校園顯著之地標。系館包括有國畫、西畫、設計、理論、版畫、攝影、電腦、陶藝、雕塑、複合媒材等專業教室以及教授研究室,還有經常舉辦國內外名家展覽之師大德群畫廊以及擁有豐富藏書之系圖書館。兼具悠久歷史、完善教學設備以及傑出師資的環境下,師大美術系將永續發展。
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    「失去了身體之後,這次我們不再想回到故鄉」——蔡明軒創作自述
    (2024) 蔡明軒; Tsai, Ming-Hsuan
    本篇論文名稱取自作者自身的創作系列名稱「遊子——失去了身體之後,這次我們不再想回到故鄉」。遊子有遠遊、離鄉之意,而我挪用了遊子與故鄉兩者之間的關係。「遊子」代表著當今的我們,生活在數位日常中,時常游移在虛擬世界裡,遲遲不願返回現實——也就是我們的「故鄉」。當我們失去了肉身,將意識投入到這片數位汪洋中,也許我們不再像以前的遊子般,流連著現實、留戀著故鄉。本篇論文以創作者自身於碩士階段的創作為研究主題和對象,進行剖析、實驗、實作(展覽)與檢討。創作大致分為「泳池派對」、「遊子」與「義體計畫」三個系列,均是環繞當代人與數位空間之間的情感關係為主題,表現當代獨有的語彙和日常狀態,但所用之媒材與形式各有所不同,藉以表達該主題的不同面向。本篇論文首先以分析自身過往的創作,從中找出對於碩士階段創作的動機與目的,並且提出幾點疑問:若創作者選擇繪畫或實體裝置作為媒材,且以數位媒體的特殊形式、虛擬網路的視覺特徵、社群媒體之於當代社會的關聯與數碼時代有關的視覺文化為題材,為何選擇以寫實繪畫和立體裝置呈現而非使用數位媒體進行?在剖析自身的背景和對創作的疑問後,於第二章與第三章研究數位原民、後網路藝術與實體創作的靈光,從中找出自身創作的論點與價值。第三章以自身創作系列中的符碼和語彙進行說明,並將自身實驗創作的過程與展示方式加以描述。在第四章透過碩士階段所創作的各個系列進行詳細的論述,並總結本研究的結果與未來規劃。
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    身體團塊-劉柏榆創作論述
    (2023) 劉柏榆; Liou, Bo-Yu
    本論文主要目的是梳理筆者從大學畢業以後到研究所期間的創作脈絡,創作主軸是屬於自傳性質的自我反省題材,對創作者個人而言是一種類似於日記創作的紀錄形式,在創作方面筆者的表現手法採用替代、概念轉換、扭曲的方式將所要描述的內容轉譯成為作品,企圖轉化為藝術創作的形式,將赤裸的個人情緒進行包裝隱藏,使情緒宣洩轉換為作品中的主題以及細節。從大學畢業期間的創作思路開始,筆者以情緒為出發點創作,將繪畫創作的方向定調在灰暗黑色的風格,其中受到生活經驗影響對黑色荒誕的題材產生興趣,將「身體」作為主題進行創作,並且對題材造型的可能性進行探討。在探討的期間衍生出許多不同的創作元素,個別對於筆者有不同的影響以及寓意,也各自衍伸自不同的生活經驗,在本論文中將會一一解析。 藉由本論文創作的梳理、創作脈絡的探索,從創作過程中的思考、執行、調整及修改,透過文本的閱讀以及對其他創作的理念的閱讀及理解,逐漸構建出屬於自己的創作節奏及特色。
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    在互為主體之間:「情境」下的舞蹈身體
    (2023) 施文涵; Shih, Wen-Han
    20世紀以降,藝術發展朝向以「身體」作為一種表現媒介,來呈現文化與社會變革下對生活的思考與反動,其中與「身體」有著密不可分的表演形式——「舞蹈」在藝術史上具有一段重要的歷史。1960年代左右,舞蹈與視覺藝術有一段頻繁往來的交流,於此同時,隨著科技的發展,也引發許多藝術家進行跨領域實驗。科技與舞蹈的結合呈現與過往不同的觀看體驗,「身體」的表現範圍擴大,表演與舞台的概念有更多元的形式。「空間」固定型態的打破,也演變在當今表演策展的趨勢上,「舞蹈在美術館」是從傳統劇場空間過渡到當代展示空間,並結合「展覽」與「表演」的概念。有鑑於此,本研究將「身體」作為主軸,分為「科技介入舞蹈」與「舞蹈在美術館」兩個面向,具體分析《Loop Me》、《Second Body》、《黃翊與庫卡》、《日常編舞》與《透明》,並援引Merleau-Ponty的身體現象學作為方法論,圍繞身體、空間、時間與世界等關鍵概念,闡明舞者/參與者在「舞蹈-身體」結構下,身體、空間、他者互為主體的過程與文化意義。
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    道法自然—楊喆水墨創作論述
    (2021) 楊喆; Yeung, Chit
    本文探討當代水墨創作與傳統水墨畫繼承發展的課題,從筆者自身對老莊的道家自然審美觀的理解與認知出發,以道家自然觀中的人與自然的關係及批判性思考特質來審視其創作,進而了解自身創作與道家自然審美思想的相關性。當代水墨創作與自然美的關係,對筆者自身創作產生啟發與借鑑作用。在道家自然審美觀的觀照下擴充不一樣的創作方式。筆者運用非傳統文人畫筆墨表現方法來詮釋山水的抽象性,當代水墨創作與道家自然審美觀的連接,具有承先啟後發展的意義。針對當代水墨創作發展的意識啟發,其意識包括了自然審美的發展歷史內容,拓印的發展歷史背景及繪畫史論中非文人筆墨思維發展的歷史,前輩水墨先行者對水墨新技法中的拓印技巧運用方式的功能與意義。筆者運用拓印技巧形成的人體元素意象而呈現抽象山水的表現,是人體與大自然的內部結構與功能呼應的關係,是中華文化基因中的道與自然的體現。 第一章主要是簡述了研究的動機、背景、內容與範圍,以明確論述的方向及重點;第二章扼要說明老莊自然與審美觀的重要理念,闡述老莊自然觀中的「道法自然」內涵與自身創作的理論依據,再從拓印的發展的源頭、內涵及發展去了解分析其審美意識,以五位前輩先行者運用拓印技巧特性中分析其審美意識,從中得到不少感悟與啟發;第三章主要是闡明個人創作理念的特質,是「道法自然」的創作觀、山水作品意象融入身體造形元素的理念,即是與道家自然審美觀的密切關係的緣由;第四章透過分析個人創作媒材、技巧、形式與內容來詮釋「道法自然」的創作審美觀、人與自然之間的關聯;第五章透過具體分析個人不同系列作品的特色來說明如何實踐「道法自然」的創作方式及內涵 ; 最後第六章是個人對水墨創作發展方向提出相關觀點及自身將來繼續探討方向的論點。追求繪畫的自然而然的風格特色正是「道法自然」的自然審美特性。透過自身創作理念與老莊自然審美思想對話,體悟藝術創作的「道法自然」自然審美特性的重要性,創立自身藝術創作特色與理念,是探索當代水墨創作的意義及價值的地方。
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    隱匿的邊界-女體迷思現象之水墨創作研究
    (2012) 陳宛資; CHEN, WAN-TZU
    本研究以當代女性身體迷思現象為對象,在當代環境下、水墨創作的多元可能性之中,進行現象的探究、藝術論述梳理以及水墨藝術在此議題下之創作表現。 研究先提出當代女體迷思中面對的各種現象,再針對現象進行分析,並從社會角度分析女性身體迷思-迷思現象的多方隱性霸權:男性凝視、美容美體工業之利益、社會穩定之功用。以及女性自身角度分析身體迷思,如:被外界拉扯與對身體的高度自主操控分析以及忽視身體自主權現象等。以此探究女體迷思現象的背後成因,和迷思與自身的關係、互動。 經過議題的分析,本文將繼續探究迷思現象與藝術表現之關係。談論女性身體在藝術表現上的功用、各種意象,如:女性意象是柔弱的、是慾望的象徵、被觀看、被壓迫、是象徵意義的載體等。接著將迷思現象帶入,探究在女體迷思形成的多重可能下,女體迷思現象在藝術語彙上表達的可能性,如:不確定、模糊曖昧、私密化,以及女體迷思在視覺上的形象表述。並以此為根據,提出幾位藝術家作為系譜的梳理,創作的理論基礎。 經過上述的理論探究,再轉入筆者創作理論之建構;從迷思在主體的生長造成的表象變形,到迷思與自我間的權力角逐場域,所造成的覆蓋現象、模糊的意象。並由此分析、探討此系列創作作品之方法與意涵,梳理創作模式,在此研究之中,發展出創作更多的可能性。
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    一座可能為「宅庭」的現象- 園林自然、身體空間與繪畫創作關係之探究
    (2014) 蔡美姿
    在繪畫創作的題材裡,自然風景中所蘊藏的幻妙與神秘,一直以來都吸引著畫家注目的眼光,宛如理想之域的形象。相對於西方至十六世紀,才逐漸成形的「風景」繪畫,中國「山水畫」已於很早之時就獨立且一直倍受重視。其中,盛行於唐代「園林」文化的景觀美學,除了如畫般建構出可居又可遊的真實空間,又同時被歸納為山水繪畫題材的一環。「園林」設計介於複製自然與人為操縱,符合人居於世所需各種條件的夢想之地。此造景空間的內容和功能,在早期社會中時常伴隨貴族遊憩和文人雅集等活動被塑造,至唐宋時期更為盛行。特別以唐代的「私家園林」為例,因社會階層和居住環境的變動,發展出獨特的住宅園林與遊賞方式,更接近現代城市中,住宅裡的小型庭院與前庭花圃形式的思維縮影。 本文的研究內容和創作方向,是以上述的文史資料,作為對傳統山水畫和園林文化認識為基礎,再透過梅洛龐蒂的「知覺現象」的觀點,重新審視我們原有認定的園林自然和模式,是如何再造與轉變;習慣對固有空間的認知與看待事物的方式,還隱含著多少可見的範圍與未知現象。回歸到自身為開始,探討主體的生活空間與原初的身體空間,開啟「身體」知覺所能感受和可見的「肉身」世界。利用「身體意向性」來形構出知覺之後的知覺空間與內容,再將此知覺感受移轉到繪畫行為跟平面圖像,創作出屬於平面繪畫的知覺現象。其中,還採用建築空間之「間」的理論,運用在實體園林空間和繪畫空間的創作實驗上。從可知覺的「間」,嘗試轉換到第二層的繪畫空「間」,以處理平面化的圖像與視覺的時空感等意象,使作品的言說得以再次獨立,重塑觀者對作品所營造的知覺空間與情境的印象。
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    身體與空間的關係
    (2011) 黃揚凱; Huang, Yang-Kai
    摘要 本論文是筆者經過一段創作過程沉澱之後,嘗試循著一個更為聚焦的觀點做為更進一步的繪畫研究。旨在探索身體與空間的關係,企圖以對 “ 實相 ” 物質在經過時間介入而不斷改變這個事實的理解去剖析事物更為真實的狀態。嘗試提出一種新的觀看方式,探索繪畫更多面向的延伸與視覺藝術更大的可能性。創作的主要內容以人物為主,呈現人物在時空背景裡的不確定性。試著去論述、表現這個物理實存的世界實際上是一個變動的空間,存在的每一樣東西每一個片刻都在改變。整個創作主題就是圍繞在這樣的概念在做一個繪畫形式上的演練。 本論文架構分為以下幾個章節: 第一章:緒論,說明研究的動機與目的,研究的範圍與限制。 第二章:回到藝術史的脈絡,尋找與本創作有關的藝術文件與學理基礎,主要的有立體派(Cubism)、未來主義(Futurism)與超現實主義(Surrealism)。還有幾位表現時間與動態概念的當代藝術家。 第三章:深入本研究的創作理念,以實驗性的手法來尋找研究主題「身體與空間的關係」的繪畫形式。 第四章:描述創作內容與過程,創作技法與表現形式,媒材的介紹與應用。 第五章:根據筆者個別作品呈現來做為創作內容的演繹,配合圖片加以解說。 第六章:結論,經由研究論文的撰寫與省思,突破思想局限,釐清未來創作方向,希望能在這樣的基礎之上,進一步擴展自己的創作領域。 關鍵字:身體、空間、關係、動態、實驗性、繪畫形式